김혜숙_Kim Hyesook - 낱눈 Nat-Nun

Afterimage- Shade, Roof, Mosaic Tile, Sunrise, 2022

장지에 샤프펜슬, 먹, 채색

Mechanical pencil, Ink, Color on Jangji

낱눈

Nat-Nun

소마드로잉센터

2022

Solo Exhibition

기간_2022.10.14~2022.11.13

장소_소마드로잉센터(소마미술관 1관 5전시실)

주최/주관_국민체육진흥공단/소마미술관

Period_October.14~November.13. 2022

Venue_SOMA Drawing Center Space(SOMA Museum of Art Exhibition Hall 1, Room 5)

Hosted by Korea Sports Promotion Foundation/SOMA Museum of Art

낱눈

김혜숙

드로잉의 시작은 빈 화면으로부터 출발한다. 텅 빈 화면 속에 어떤 선으로부터 시작할 것인가의 시작은 공간을 타고 흐르는 나의 시선의 길을 따라간다. 올라갔다 내려가며 하나의 시선이 머무는 곳에서부터 또 하나의 시선이 흘러간 길을 바라본다. 방향의 중심은 있지만 그 중심은 다시 주변이 되기도 하며 여러 개의 눈으로 나뉜다. 이렇게 공간을 바라볼 때면 각기 다른 방향과 다양한 거리조절을 통해 공간이 가진 시간의 두께를 관찰 했던 것 같다. 바라본 것을 어떻게 표현할 것인가의 고민은 빈 땅처럼 스미는 장지 위에 토대를 닦고 기둥을 세운 뒤 얇고 투명한 겹으로 외벽을 쌓는다. 하나의 시선이 한 장이 되고 또 하나의 시선이 두 장으로. 그렇게 여러 개의 낱장이 화판 위에 쌓여갔다.

벽과 바닥 천장으로 이루어진 공간은 고정되어 닫혀진 구조라고 생각할 수 있지만 나에게 공간은 열려있다. 도시를 이루고 있는 공간에 흩뿌려진 선들의 조합속에서 어느 곳에 점을 찍고 어떤 선으로 어느 도형을 이루고 그 도형이 다시 면을 이루어 나가는 것을 관찰한다. 벽을 뚫고 만들어진 창문과 기둥은 숨을 쉬듯 벌어진 틈처럼 바닥에 붙은 공간들에 움직임을 부여해주는 기능을 한다고 생각한다. 그들이 움직인다면 어디로 가고 싶을까 상상을 하다보면 장면들에 리듬이 생기며 화면에서 갑자기 튀어나오는 선들이나 뒤틀린 형태들이 생긴다. 이는 공간에서 연장되어 나온 선들로 시간이 누적되며 달라졌거나 앞으로 있을 변화의 가능성을 보여주는 연결고리라고 생각했다.

무언가 눈에 띄거나 공간의 특이점으로 시작했던 장면에 시선을 분산시키며 화면으로 배치할 때 중요하게 생각했던 것은 조화로움이었다. 이 장면을 그려야겠다 마음먹은 순간은 다름과 낯설음으로 시작했지만 다른 듯 닮아 보이고 같은 모습이 아니지만 어우러진 풍경은 결국은 조화를 이루고 있었기에 나에게 아름답다고 느껴졌다. 가만히 서서 한 자리를 지키며 같은 시간에 만들어졌을 수도, 오랜 시간 조금씩 덧붙여졌을 수도 있는 공간이 지닌 서로 다른 시간의 두께를 세아려본다. 서로 다른 시간대지만 그들만의 법칙이 만들어진 듯 어우러진 공간의 풍경은 낡음이란 단어의 의미를 생각해보게 했다.

나에게 낡음, 오래됨이란 단어는 시간의 선에서 멈추지 않고 흘러가는 중이라고 생각하기에 늘 신선한 단어이다. 그들의 흐름을 관찰하다보면 완전히 새로운 재료와 새로운 형태가 아니라 원래 가지고 있었으나 내가 아끼지 않았거나 잊어버렸던 것을 다시 발견하는 그 때가 좋아 나는 자꾸만 이와 같은 공간에 시선이 머무르는 지도 모르겠다. 낱눈은 나를 믿어주는 시간에 대한 이야기이다. 나의 시선을 오롯이 바라봐주고 알아주고 놓아주며 내 시선이 걸어온 길을 돌아보았다. 오래된 공간에 누적된 자재들처럼 내가 사용했던 기법과 재료가 나의 시간의 흐름에 따라 어떻게 쌓여 달리 사용할 수 있는지 몸의 움직임에 귀를 기울여본다. 그것은 어려움을 이겨내고 극복하는 방식보다는 힘의 균형을 생각하는 방식이었다. 그리고 그 곳에는 여전히 공간이 있었고 나는 그 지도를 통해 세상을 만지고 있다.

Nat-Nun

By Kim Hyesook

Drawing starts from blank space. I consider how I will start from a line in an empty space. This start follows the line of my sight flowing in the space. Going up and down, I look where one gaze lingers and another gaze flows. There is a center in this gaze, but this center becomes the periphery of my gaze and is divided into several eyes. While looking at space in this way, I seem to observe the thickness of time by adjusting a diversity of directions and distances. With my concerns about how to express what I saw, I solidify the foundation, erect a pillar, and build a wall in thin, transparent layers. One gaze becomes one sheet, and another gaze becomes another sheet. In this way, many sheets are heaped up on a drawing board.

We can think of space composed of floor, walls, and ceiling as fixed and closed, but this space is open to me. I consider where I have to mark a dot, which line I have to use to shape a figure, and observe how this figure forms a plane amidst a combination of lines that are scattered about the space forming a city. I think pillars and walls made through a wall carry out their function to impart movement and gap- like breathing spaces on the bottom. If I envisage where they want to go, rhythms arise, and abruptly popping lines and twisted forms come up. I think they are lines extended from the space and links that changed or show the possibility of change to happen with time accumulation.

I started doing my work from what is conspicuous and peculiar in a scene. I thought what counts is a sense of harmony, distracting my eyes to this space. This derived from some difference and unfamiliarity at the moment I was determined to draw this scene. As the scene seemed different but look alike and it was in harmony, I felt this is beautiful. Standing in a place, I gauge the thickness of different times that formed at the same time or added little by little over a long time. The scene of the space that was formed at different times but seemed harmonious as if it is based on the same principle has us think of the meaning of the word 'tattered.'

As I think that the words such as tattered and old are flowing, not staying in the line of time, they are always fresh to me. I used to rediscover something I initially had but didn't treasure and forgot when observing their flow. Because I like that time, I probably often pay attention to such spaces. Nat-Nun lays out a story about the time that counts on me. It looks at, understands, sets free, and looks back on my gaze. Like the materials that are heaped up in an old space, I pay heed to the body's movement, taking note of how my techniques and materials are piled up and used depending on the passage of time. That was a way of considering the balance of power rather than overcoming hardships. And the space was still there, and I was touching on the world through a map.

하나의 선으로부터, 색에서 빛으로

임지연 / 소마미술관 큐레이터

도시는 끊임없이 생산과 소멸을 반복한다. 시기에 따라 유행하듯 너도나도 특정 양식을 차용하여 지어진 건축물들은 시간이 지남에 따라 그만의 모습으로 변화한다. 낡은 건물의 오래전 유행했을법한 문양의 창틀과 계단의 난간, 문의 문양 등은 일시적인 풍경이면서 일상적인 풍경이고, 누적된 시간을 담은 공간은 기억 속에 스며들듯 자리를 잡는다. 누구나 옛집에 대한 기억을 떠올리며 살 듯 우리는 공간 속에 머무르며 함께 살아 숨 쉰다. 경험이 가능한 미적 대상인 건축물, 일상 속 너무도 익숙해진 공간을 친숙하면서도 낯설게 바라보기. 김혜숙은 이러한 공간의 외벽, 창문, 지붕, 난간 등에서 형상을 추출하고 가장 기본 요소인 '선'으로부터 시선의 흐름대로 드로잉 작업을 한다.

그렇기에 작가의 모든 작업의 정체성은 시선으로 시작하여 시선으로 완성된다. 실재하는 공간을 바라볼 때의 시선의 흐름, 공간 속 선들을 따라 움직이는 작가의 시선은 매우 예리하면서도 간결하다. 공간 속 흩어진 선들 중 어느 선 하나에 시선이 머무르면 이는 선을 따라 쭉 이어진다. 선이 이어져 하나의 기하학을 그려내고, 새로운 면을 만들어내는 것을 흥미롭게 바라보는 것이다. 그리고 이는 곧 드로잉의 선이 된다. 대상을 해체하고 시선을 이동하며 바라본 직선과 곡선은 공간 안에서 새로운 시각을 만들어내고, 그 흔적들은 중첩적 표현방식으로 시간성과 공간성을 한데 어우러지게 한다. 마치 하나의 건축물을 짓듯이 선은 그렇게 장지 위에 켜켜이 쌓인다. 반복과 중첩을 통해 선은 직선, 그리고 곡선으로 유려하게 뻗어나간다. 얇은 장지에 스며들며 옅은 레이어를 만드는 먹과 물감, 섬유질의 미세한 틈 사이로 박힌 샤프의 흑연은 건축물에서 추출한 형상들을 서로 이질적인 느낌이 들지 않게 은은하게 포개어내고, 공간에 담긴 시간까지도 배어나오게 하는 효과를 자아낸다.

이번 전시의 작품의 가장 큰 특징은 인공물에서 차용한 모티프에 자연물이 만들어낸 선과 공간을 새롭게 끌어왔다는 점이다. 자연물이 그리는 곡선은 기존의 작업에서의 발랄한 곡선을 부드럽고 세밀하게 다듬어냈고, 자연물이 만들어낸 그늘은 공간에 대한 개념으로 차용되어 기존에 그가 담아낸 인공물의 공간에 자연스레 녹아들었다. 색의 차용 역시 기존의 건축물에 쓰인 색에서 자연물이 가진 색으로 바뀌었다. 흑과 백으로 존재하던 초기 작업에서 이전에는 '색깔'이 새롭게 들어왔다면, 이번 작업에는 '빛깔'이 들어온 것이다. 빛을 끌어오니 작품은 한층 더 따뜻해졌다. 동이 트고 지는 무렵의 하늘의 빛, 따사로운 햇볕에 비쳐 만들어진 그늘은 작가가 사용하는 재료와 기법을 만나 마치 몸에 꼭 맞는 옷을 입은 것처럼 더없이 편안하고 자연스레 어우러져있다.

이렇게 공간을 섬세하게 포착하여 담아낸 김혜숙의 작품은 실재 공간에 들어왔을 때 공간 내 모티프들과 자연스레 이어지고 확장된다. 작품 내 모티프와 실재 공간의 모티프가 한데 어우러져 친숙한 이음과 변주를 그려내어 재미를 더할 뿐만 아니라 실재 공간에서의 새로운 해석에 대한 확장까지도 가능하게 한다. 그리고 이러한 확장성은 무한하게 작용한다. 인공물과 자연이 만들어낸 선과 면이 중첩되고 자연의 빛과 색을 담아낸 그의 작품을 바라보고 있으면 머물렀던 공간에 대한 경험이 함께 중첩되는 순간을 만날 수 있다. 특히 그늘이라는 자연 속 공간을 표현하기 위해 작품에 담아낸 나무의 그림자는 필자에게 마치 나무 그늘 아래 서 있는 듯한 상상을 불러일으키는 요소로 다가왔다. 그리고 상상 속 풍경은 어떠한 소리까지도 함께 떠오르게 한다. 낡은 담장에는 나무의 그림자가 비치는 어느 오후, 바람에 나뭇잎이 흔들리고 새가 지저귀며 풀벌레 울음소리가 들리는 순간의 풍경, 그리고 어디선가 들려오는 사람들의 말소리와 웃음소리가 들려올 것 같은 익숙한 주택가의 풍경. 시기별 유행하는 건축 자재와 문양들의 선으로 켜켜이 쌓인 오래된 주택에서 바라보는 더없이 친숙한 일상의 소리를 말이다. 반복과 중첩으로 배어 나오듯 보이는 선과 색은 공간에 시간을 더하여 담아내고자 하는 작가의 의도를 잘 풀어내어 기억과 상상 속 공간까지의 확장 가능성을 제시한다. 공간의 확장뿐만 아니라 시간의 확장, 그리고 실재에서 상상으로의 확장까지 김혜숙의 작품이 지니는 확장성은 이렇게 무한하다. 그만이 지닌 예리한 시선과 따스한 감성이 또 어떤 선을 뻗어내고, 머무른 시간에 배인 빛을 담아낼지 무척 기대가 된다.

From One Line, Color to Light

By Lim jiyeon, Curator of SOMA

A city consistently repeats production and extinction. Buildings and other structures built in a specific style are transformed as time passes by. A worn-out building's window patterns, stair handrails, door designs, and others elements that were likely in fashion a long time ago are either temporary scenes or everyday landscapes. The space holding accumulated time takes its place, seeping into our memory. Just as everyone lives, recalling the memory of their old home, we stay in a space and are alive together. An architectural structure as an aesthetic object possible to experience, looking at familiar space in our everyday life in an unfamiliar way...... Kim Hyesook draws out forms from such space's outer walls, windows, roofs, and handrails, and then works in drawing with lines, the most fundamental element of drawing depending on the flow of her gaze

What makes up a large part of her work's identity is her gaze: All of her works start from her gaze and are completed by her gaze. Her gaze, which moves along lines in space, is really acute and succinct when looking at a real space. When her eyes linger on one line among lines scattered in space, this continues along this line. This means she takes interest in a process in which a geometric image is drawn and a new plane is brought about Straight lines and curves seen while dismantling objects and moving eyes create a new point of view in space, and their traces make both temporality and spatiality come into harmony with each other in an overlapping expressive way. As if to build a structure, lines are heaped up in layers on thin paper. Either straight lines or curves are fluently stretched out through repetition and superposition, Ink and paint that brings about thin layers by filtering into thin paper and graphite from mechanical pencil lead stuck in the fine cracks of fiber serenely overlap images extracted from architectural structures that do not feel foreign to one another, arousing an effect that time held in space oozes out.

The most salient feature of works on show at this exhibition is the application of the lines and spaces that natural objects have to motifs borrowed from artificial objects. The curves of a natural object serve to refine lively and vivacious curves found in her previous pieces while the shade engendered by a natural object filters naturally into the space of an artificial object, appropriated as the notion of space. The borrowed colors have changed from those of buildings to those of natural objects. While hues are adopted for works on display at this show, 'colors' were newly employed for her early black and white pieces. As light draws into her works, they look much warmer The light from the sky at sunrise and sunset and the shade generated by warm sunlight are in accord comfortably and naturally with the materials and techniques she employs.

When her work capturing a space is delicately set in actual space, it is naturally connected and extended to motifs in this space. Her works produce a sense of fun through connection and variation arising when the motifs in her works are in harmony with those in real space. This also makes a new interpretation in actual space possible. And this expandability works infinitely. When looking at her works in which lines and planes engendered by both natural and artificial objects overlap. and natural light and color are held, we come across the moment our experiences with the space where we stayed overlap. The shade of a tree she captured to express the shade as a space in nature is adopted as an element to spark the imagination and feel as if standing under the shade of a tree. And, imaginary scenes can also bring to mind some sounds. There is birdsong and grass bug sounds heard from a momentous scene one afternoon when a tree casts its reflection on a worn- out wall, and its leaves stir in the wind; speaking voices and laughing voices likely to be heard from some residential area; and friendly everyday sounds heard from old houses in which the lines of architectural materials and patterns are amassed in layers. The lines and colors that seem to ooze out through repetition and superposition set out the possibility of extending space in memory and imagination, superbly interpreting her intention to forge her images through a combination of space and time. The expandability of Kim's work is infinite: not only expansion in space and time but also expansion in imagination. That's why her work is quite interesting. We can anticipate the lines her own keen eyes and warm emotions spread out and her works to contain a light tinged with time.